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Fecha: desde el
21 de junio de 2013
Artistas: Libia Castro y Ólafur
Ólafsson, Jessica Diamond, Paloma Gámez, Curro González, Federico Guzmán,
Rogelio López Cuenca, Cristina Lucas, Priscilla Monge, Pedro Mora, Olaf
Nicolai, Jesús Palomino, MP&MP Rosado, Juan Carlos Robles, Maura Sheehan,
Jorge Yeregui
Siguiendo
la tradición del “arte en espacios públicos”, se presentan piezas escultóricas,
intervenciones, instalaciones y pintura mural que han sido instaladas
en diferentes espacios exteriores del antiguo Monasterio de la Cartuja,
sede del CAAC. Se trata de una muestra compuesta por obras recientemente
donadas o depositadas, junto a otras que ya pertenecían a la colección
permanente del museo. Este proyecto va más allá del histórico parque
o jardín escultórico (que sigue, por ejemplo, el bien conocido Museo
Kröller-Müller de Holanda), para situarse más bien en la estela del
Proyecto Escultórico de Münster, que tiene lugar en esta ciudad alemana
cada diez años, basado en intervenciones específicas realizadas por
artistas invitados para espacios concretos cargados habitualmente de
diversos significantes. Otro de los objetivos de este conjunto ahora
exhibido es que el visitante conozca los amplios espacios exteriores
del CAAC sin perder la perspectiva contemporánea del museo. El recorrido
se extiende por las praderas, patios interiores del antiguo monasterio,
huertas y jardines, algunos lugares insólitos y poco visitados habitualmente.
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JORGE YEREGUI
N-322, Km. 37 (En el camino), 2008
Fotografía color impresa sobre vinilo adhesivo
720 x 640 x 110 cm.
PRADERA DE PUERTA DE TIERRA
En una valla publicitaria profesional instalada en el Centro Andaluz
de Arte Contemporáneo, frente a la Gerencia de Urbanismo del Ayuntamiento
de Sevilla, se muestra una fotografía de gran formato de una arquitectura
encontrada en un lugar cualquiera.
La imagen forma parte de una secuencia de fotografías inspiradas en
el concepto de “pre-ruina”, donde Jorge Yeregui (Santander, 1975) documenta
arquitecturas inacabadas y abandonadas que son moldeadas por el tiempo
y la naturaleza. Más allá de lo que fue o de lo que podría haber sido,
esta imagen nos plantea una reflexión sobre la fractura que hizo perder
su función, convirtiendo la arquitectura en elemento contradictorio
que coloniza el territorio a la vez que resulta inhabitable. Estos restos,
anónimos e improductivos, son pequeños hitos en el paisaje cuya presencia
desnuda presenta un aspecto en bruto que refuerza su apariencia escultórica.
Así, de la misma manera que las vallas publicitarias atraen la atención
sobre los productos ofertados al público entendido como consumidor,
la descontextualización de estas arquitecturas trasladadas a la imagen
potencian el extrañamiento de un paisaje hoy cada vez más habitual.
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MAURA SHEEHAN
Lagunas, 2000
Instalación. Fragmentos de mármol pintados
Medidas variables
LAGOS DE PUERTA DE TIERRA
Ya desde sus primeros trabajos de los años 70 en Los Ángeles, la artista
Maura Sheehan ha pretendido dotar a los espacios de nuevas significaciones
construidas a partir del contexto económico, político y social, y cómo
éste se ha reflejado en las formas arquitectónicas.
Lagunas (2000), formó parte de una serie de cinco intervenciones
que, bajo el título de Veladuras, la artista realizó en el CAAC
en el año 2000. Formada por una trama geométrica de trozos de mármol
reaprovechados de la reforma de las techumbres de uno de sus edificios,
Sheehan pone en juego tanto la idea de ruina como la del color.
La primera la relaciona con el abandono de la Isla de La Cartuja tras
los grandes eventos del año 92. El segundo es el mismo azul intenso
que se puede apreciar en los adornos cerámicos de la fachada del antiguo
monasterio, utilizado en muchos países mediterráneos para pintar terrazas
y fachadas, lo que nos remonta a los orígenes de este monumento, un
alfar almohade.
Así, edificio y fachada nos dan las pautas para leer Lagunas,
una obra en la que colaboran arquitectura, historia y mirada.
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PEDRO MORA
Bus Stop, 2001
Parada
de autobús
Instalación. Acero inoxidable pulido, neón y cristal
212 x 359,5 x 210 cm
Obra restaurada con la colaboración de TUSSAM
PUERTA DE TIERRA
Pedro de Mora (Sevilla, 1961) es capaz de nutrirse de las sociedades
que habita y desarrollar su lenguaje en torno a ellas. Su obra se mueve
rápidamente de unas preocupaciones a otras, desplegando un trabajo difícilmente
clasificable. No obstante, no sacrifica en este tránsito el componente
visual de sus propuestas, poseyendo un estilo definido.
En Bus Stop intenta poner en cuestión los límites entre el arte
y lo cotidiano al sacar su obra del espacio restringido del museo y
llevarla al ámbito público urbano. Invierte de este modo la estrategia
de Duchamp, quien introdujo en el museo objetos ajenos a él. Mora despoja
al museo del arte, reinsertándolo en una trama viva de experiencias
ordinarias con la idea de desarrollar una estética del siglo XXI en
el ámbito de lo cívico y lo cotidiano. Esta obra altera el concepto
clásico de monumento, ya que empleando materiales nobles propios de
la escultura, crea un prototipo singular de mobiliario urbano para ser
utilizado como lugar social para el descanso o el encuentro; convirtiendo
al usuario en parte activa de la escultura.
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ROGELIO LÓPEZ CUENCA
Decret nº 1, 1992
Decreto
nº 1
Acero, pintura y piedra
300 x 100 x 17 cm. c/u
PUERTA DE TIERRA – PUERTA DEL RÍO – JARDINES – PATIO DEL PADRE NUESTRO
La obra de López Cuenca (Nerja, Málaga, 1959) refleja su compromiso
social, que representa mediante los juegos lingüísticos y la contraposición
irónica de imágenes. La obra fue elegida por un jurado internacional
para su exhibición en el marco del proyecto Arte Actual en los espacios
públicos de la Exposición Universal de Sevilla. Decret nº 1
toma su nombre del “Decreto nº 1 para la democratización de las artes”
(1918), publicado en la Gaceta de los Futuristas de Moscú donde,
bajo el lema “todo el arte para todo el pueblo”, se promovía la disolución
de la actividad artística en la vida cotidiana.
Compuesta por 24 elementos idénticos en formato y colores a los instalados
con carácter informativo en el recinto de la Expo 92, fue colocada camuflándose
entre la señalética institucional. Así, mediante textos en diferentes
idiomas e iconos incomprensibles, López Cuenca trató de infiltrar su
propio discurso dentro del oficial, provocando la confusión y el desconcierto
del visitante. El proyecto fue censurado y retirado el día antes de
la inauguración.
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CRISTINA LUCAS
Alicia, 2009
Instalación. Técnica mixta. Poliestireno y pintura
180 x 120 x 85 cm. (cara); 367 x 120 x 180 cm. (brazo)
PABELLÓN REAL
La artista Cristina Lucas (Jaén, 1973) inició su obra en el campo del
happening y las acciones, pasando después a realizar instalaciones,
fotografías, vídeos y dibujos.
Centrada en la crítica de género y de las estructuras culturales y
de poder, utiliza la metáfora y la sátira para crear sensaciones ambiguas
en el espectador, siempre desde un punto de vista feminista, aparentemente
inocente.
Alicia representa una figura gigante cuyo rostro y brazo derecho
escapan por las ventanas de una habitación donde parece haber quedado
atrapada. La artista se inspira y reinterpreta el pasaje del libro de
Lewis Carrol Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas,
en el que la protagonista, atraída por la curiosidad, come de un pastel
con la palabra escrita “CÓMEME” y crece sin control, en este caso hasta
que no cabe en la habitación y tiene que sacar un brazo por una ventana.
De esta forma nos trae la inquietante fantasía del conocido libro al
espacio real de La Cartuja, aludiendo a la reclusión tanto física como
psíquica de la mujer como forma de opresión, atrapada en el espacio
de su casa.
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CURRO GONZÁLEZ
Como un monumento al artista, 2010
Bronce policromado sobre pedestal de acero
cortén,
instalación audiovisual (sonido, grabación vídeo mediante
cámara de seguridad, monitor) 325 x 100 x 150 cm.
PASEO DE LAS JACARANDAS
Bajo la apariencia de un trabajo escultórico convencional, y con una
lectura que incide en clave irónica en la controversia que desde el
romanticismo viene desarrollándose en torno a la noción de artista,
Curro González (Sevilla, 1960) ha ideado una instalación con elementos
sonoros y visuales que interactúan con el público. En ella nos ofrece
una versión del artista que, representado como hombre-orquesta se enfrenta
a la “Puerta de la Fama”. Metáfora que recoge la idea de que su fin
último es la consecución del éxito que garantice su paso a la posteridad.
No obstante, la situación inicial queda alterada cuando el público
traspasa la puerta, siendo sorprendido por el sonido de una fanfarria,
intercambiándose así los papeles en este juego de reconocimientos. Además,
los visitantes son captados por una cámara situada entre los instrumentos
musicales del artista-hombre-orquesta, pudiendo verse en un espacio
adyacente y pasando a formar parte de la obra por un instante. De esta
forma González crea un cruce de conceptos y de visiones entre el espectador
y el artista.
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MP&MP ROSADO
Ventanas iluminadas, 2005
Instalación. Madera, pintura e instalación eléctrica
Medidas variables
PATIO DEL AVE MARÍA
La reflexión acerca de la identidad es uno de los temas esenciales
sobre los que orbita el trabajo de los hermanos Rosado (San Fernando,
Cádiz, 1971). Así, la encontramos representada en instalaciones, esculturas
y, con gran profusión en fotografías y dibujos, siendo ésta la parte
menos conocida de su obra.
Inspirada por la recurrente pregunta de Roberto Arlt en Aguafuertes
Porteñas: “¿Usted no se ha fijado en las ventanas iluminadas a las
tres de la mañana?”, esta obra ahonda en la idiosincrasia urbana contemporánea;
en las historias que se esconden en las esquinas, en la experiencia
de la multitud, o en la soledad que viven cotidianamente sus habitantes.
Concebidos de forma específica para el paseo de entrada del Monasterio
de La Cartuja, para construir estos fragmentos de casas MP&MP Rosado
han empleado materiales neutros –fundamentalmente papel y madera–, con
unas formas muy simples que permiten un mayor grado de sugestión, imaginación
y fantasía.
Su objetivo es crear una escenografía fluctuante que se va transformando
con el paso de las horas y que muestra un mundo aparentemente vacío
pero repleto de presencias invisibles.
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JESSICA DIAMOND
Being Necessitates Faith In Paper (#2), 1989 – 2011
Existir
implica tener fe en el papel (nº2)
Is That All
There Is?, 1984 – 2010
¿Es
eso todo lo que hay?
Money Having
Sex, 1988
El
dinero teniendo sexo
Pinturas acrílicas sobre muro
Medidas variables
PATIO DE PRIORAL – PATIO DEL PADRE NUESTRO
Conocida internacionalmente por sus irónicos e incisivos textos pintados
directamente sobre la pared, su sensibilidad fue forjada en los años
80, cuando la pintura estaba siendo cuestionada.
Jessica Diamond (Nueva York, 1957) mantiene desde entonces un sorprendente
y sincero sentido de la identidad, utilizando el lenguaje como base
de unos trabajos caracterizados por su actitud crítica y satírica hacia
la simbología de la cultura popular propia del capitalismo tardío.
Sus notas, furiosas y rápidas, reivindican sin caer en lo nostálgico
el abandono y la autoprotección mediante un personalísimo código. Su
mensaje, arraigado en las estrategias de la América del Norte empresarial,
es siempre enérgico y directo. Pero su obra dista mucho de las intenciones
de los eslóganes publicitarios, por lo que debemos interpretarla sin
olvidar su lado complejo, sutil y contemplativo.
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PALOMA GÁMEZ
Violeta, 2012
Intervención. Vinilo sobre cristal
Medidas variables
LUCERNARIO DE LA BIBLIOTECA
Esta intervención en el lucernario de la biblioteca del Centro Andaluz
de Arte Contemporáneo fue realizada con motivo de su exposición Violeta
(2012). Remitía directamente a otras dos series: Verde y Rojo,
que, con un lenguaje abstracto, y a través de una meticulosa investigación
sobre el color y el espacio, Paloma Gámez (Bailén, Jaén, 1964) ha desarrollado
en los últimos años.
Las ideas de repetición y seriación son una constante en sus obras.
Éstas son autorreferenciales, es decir, se construyen a partir de otras
anteriores, generando sistemas en los que todas las piezas están relacionadas.
Otra de sus características es el empleo del espacio arquitectónico
para involucrar al espectador en una experiencia sensorial a través
de la luz y el color.
Su interés por los procesos de abstracción está implícito en toda su
trayectoria; en sus procedimientos, en la materialización de las piezas
y en el uso del color, despojado de su aspecto simbólico en favor de
su capacidad sensorial. El resultado no tiene un carácter narrativo,
sino que es un medio de reflexión, experimentación y conocimiento, en
este caso de un lugar de acumulación del saber.
Así, de la misma manera que las vallas publicitarias atraen la atención
sobre los productos ofertados al público entendido como consumidor,
la descontextualización de estas arquitecturas trasladadas a la imagen
potencian el extrañamiento de un paisaje hoy cada vez más habitual.
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PRISCILLA MONGE
What is Real?, 2004
¿Qué
es lo real?
Instalación. Ladrillos de cerámica
30 x 800 cm. (ladrillos de 3,2 x 2 cm. c/u)
CLAUSTRÓN NORTE
Priscilla Monge (San José, Costa Rica, 1968) realizó esta intervención
en el marco de la I Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla específicamente
para el lugar donde permanece, una de las huertas de los monjes del
Monasterio de La Cartuja.
What is Real? consiste en un pequeño muro de ladrillos de cerámica
en miniatura que, meticulosamente construido, atraviesa toda la huerta.
La autora lo ha situado intencionadamente delante de la morera que ocupa
el centro del patio con la pretensión de, provocado por la desigual
relación entre ambas escalas, crear el desconcierto en el visitante.
Con ello, y sin perder de vista el título de la obra, la artista cuestiona
nuestra perspectiva de la realidad; la pared tiene la altura de un libro,
es fácil de saltar pero al mismo tiempo constituye una barrera. Así,
esos minúsculos ladrillos nos parecen de repente grandes, gigantescos,
y luego otra vez pequeños, como si tuviésemos que transportarnos de
nuevo a la perspectiva de un niño que juega en el suelo. Grande o pequeña,
en ambos casos la pared no es más desproporcionada que nuestra relación
sensitivo-corporal con ella.
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LIBIA CASTRO & ÓLAFUR ÓLAFSSON
¿Quién tiene miedo del rojo, del amarillo y de ti?, 2011
Instalación. Bombillas y cable
Donación de los artistas
CLAUSTRÓN ESTE
Artistas multidisciplinares, Libia Castro (Madrid, 1970) y Ólafur Ólafsson
(Reikiavik, 1973) trabajan juntos desde 1997 y se ocupan de aquellas
cuestiones que nos conciernen como ciudadanos; la identidad, el trabajo,
la economía, la inmigración ilegalizada o las maneras con las que se
construyen y destruyen nuestras ciudades.
A través de la fuerza de la imagen y de las posibilidades que ofrecen
los sonidos intentan provocar en el espectador nuevas inquietudes, llevándolo
al territorio de la reflexión y a cuestionarse verdades que son admitidas
como absolutas de forma generalizada sin haber sido cuestionadas en
algún momento.
¿Quién tiene miedo del rojo, del amarillo y de ti? fue realizada
específicamente para este lugar en la exposición Tu país no existe
(2011), que se celebró en ese mismo año en el CAAC. Su título, modificado,
juega irónicamente con el de la conocida serie de Barnett Newman,
Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue donde el pintor norteamericano
experimentó entre 1966 y 1970 con grandes superficies de color y
el impacto que causaba el tamaño de sus cuadros al rebasar el campo
de visión del espectador.
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JUAN CARLOS ROBLES
The Confidential Connection, 1997
Conexión
confidencial
Instalación. Hierro, madera, cerámica y plexiglás
325 x 380 x 525 cm.
Donación del artista y de la Galería Oliva Arauna
HUERTAS
The Confidential Connection es una antigua caseta de tránsito
ferroviario trasladada desde su originario andén del metro en Alexanderplatz
(Berlín) hasta Rosa-Luxemburgplatz, donde se transformó en un “cuerpo
extraño”.
En el lugar para el que fue concebida representaba una mirada que se
había hecho indiferente, un fragmento de vida cotidiana, un pedazo de
una sociedad caracterizada por su orden y su funcionalidad. Para su
nuevo emplazamiento Juan Carlos Robles (Sevilla, 1962) le añadió en
su interior una potente luz estroboscópica, que parpadea incesante,
y sonidos de avisos de entrada y salida de trenes y ruido de los vagones
al pasar.
Con ello persiguió dos objetivos: destacar el aspecto funcional y estético
de la arquitectura, y señalar las fracturas, reconstrucciones y reordenaciones
que estaban llevándose a cabo en Berlín.
Su trabajo no es un acto de conservación, ni abre una posibilidad
de conversación. The Confidential Connection es irritante
y transitorio, testigo de la reconstrucción de la ciudad en lugares
y no lugares.
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JESÚS PALOMINO
Altavoces reproduciendo el sonido del lugar, 2009
Proyecto sonoro
HUERTAS
Formado en la Facultad de BB.AA. de Cuenca, la Fine Arts Schools de
Columbus, Ohio, y la Rijksakademie van beeldende kunsten de Ámsterdam,
Jesús Palomino (Sevilla, 1969) es conocido fundamentalmente por sus
instalaciones, en las que combina luz, vídeo y fotografía. No obstante,
al planteársele realizar este proyecto, optó por el sonido como elemento
articulador de la experiencia artística.
Anteriormente había realizado alguna incursión en este campo, como
20 Altavoces reproduciendo el sonido del lugar, que fue su primera
instalación sonora. En ella, con dos objetivos, nos presentó lo que
denominó “espejo acústico”, siendo el precedente en el que se basa su
actual intervención en el CAAC.
Su intención es tanto relacionar al público con su propia vinculación
de los sonidos, como buscar una tensión perceptiva y conceptual
entre experiencia y reproducción. Para ello pone en juego un sonido
duplicado en el que están presentes simultáneamente una anterior
grabación de este lugar deshabitado y los sonidos que se pudieran
estar produciendo en este mismo instante. De este modo cede todo
el protagonismo de su propuesta al oyente y contemplador, al mismo
tiempo que se invita a la reflexión.
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OLAF NICOLAI
Cortina de perlas negras, 2004
Instalación. Perlas de plástico negro, hilo de algodón
Medidas variables
PABELLÓN DE SANTA JUSTA Y RUFINA
Desde 1997 el artista Olaf Nicolai (Halle/Saale, Alemania, 1962) ha
desarrollado una amplia variedad de proyectos interdisciplinarios. Las
fronteras entre arte y ciencia, espacio público y privado, o individuo
y sociedad están, a modo de hilo conductor, presentes de una forma u
otra en toda su ya dilatada trayectoria.
Cortina de perlas negras fue realizada para la I Bienal de Arte
Contemporáneo de Sevilla, siendo el propio artista quien eligió para
su emplazamiento el Pabellón de las Santas Justa y Rufina, también conocido
como Pabellón de Pickman. Un edificio abierto en la planta baja, con
ventanales en la primera y un mirador en su remate.
Con su obra Nicolai se planteó cerrar todos los vanos mediante cortinas
de abalorios de plástico negro. De esta forma crea un decorado que divide
el espacio y un objeto que regula sutilmente tanto el acceso como las
miradas, y que nos sitúa tanto en los límites de lo público y lo privado
como en los de la inclusión y la exclusión. Siendo ésto no sólo característico
de la situación arquitectónica de Sevilla, sino también de su contexto
geopolítico.
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FEDERICO GUZMÁN
Reloj estacional, 2004
Malla de sombreo, plantas y poliester
HUERTAS
Federico Guzmán (Sevilla, 1964) siempre se ha revelado como un creador
comprometido. Esta implicación con la sociedad y la naturaleza se acentuará
tras sus estancias en Colombia y el Sahara, donde termina de concebir
la íntima relación entre naturaleza y arte.
Su obra se presenta llena de optimismo, vitalidad, ternura y color,
buscando siempre el referente de la sociedad actual. En ella los objetos,
de una diversidad extraordinaria, adquieren una novedosa identidad plástica
que hace que se alejen de los constreñidos sistemas habituales, provocando
así una inmersión en un sistema mucho más vitalista y, por tanto, provocador
de una ilusión vital más viva.
La intervención exterior Reloj estacional está concebida como un reloj
vegetal, vivo, capaz de registrar el paso del tiempo por medio de una
docena de especies de plantas que, seleccionadas de acuerdo a la localización
geográfica de la huerta del CAAC, clima y estaciones, abren y cierran
sus flores cada día a lo largo de su temporada de crecimiento. No obstante,
su pretensión no ha sido que la naturaleza funcione como un reloj, sino
construir un reloj que funcione con las distintas estaciones naturales
a lo largo del año.
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